I festival di Galante all'epoca Luis XV

Li hai certamente visti, su porcellana, tela o persino arazzo, queste piccole coppie galanti che corteggiano in campagna. Ma chi sono? Perché sono seduti a terra in abiti così eleganti? Stanco della formalità dell'arte barocca del periodo precedente, entriamo in un tempo trasformato verso la leggerezza. La corte lascia Versailles per Parigi, un luogo che favorisce una maggiore libertà e Joie de Vivre favoriscono gli amori. Torniamo a questo 18 ° secolo francese che vede la vita in rosa.

Galante Festivals in Major Art

Nel 17 ° secolo, la pittura di genere, una grande tradizione veneziana e fiamminga, era considerata minore. Sono solo scene aneddotiche della vita quotidiana che non per favore l'Accademia. Le scene d'amore non hanno il loro posto tra l'élite intellettuale dell'aristocrazia. Fu solo nel 1717 con il pezzo di accoglienza il pellegrinaggio sull'isola di Cythera di Antoine Watteau (1684-1721) per cambiare le cose. L'Accademia, di fronte al suo talento, rifiuta di relegarlo in un genere minore e decide di creare il genere del Gallant Party.

È una questione di rappresentare un momento di pigrizia sociale dell'aristocrazia in un di paese . A questo è il concetto di seduzione fortemente presente. Antoine Watteau non rappresenta più solo la vita quotidiana ma una leggerezza che fa appello a entrambi gli individui, di cui la maggior parte dei finanziamenti viene e all'Accademia delle belle arti nominata dal governo.

Biscotto, scena di caccia con coppia galante, 18 ° secolo

Ma cosa stabilisce il galante partito di un'altra scena della vita aristocratica? Il tema della passione dell'amore nei set bucolici è un pretesto per essere audaci e originali nella composizione dell'opera. Gli artisti suonano sulla modernità dei vestiti mentre li integrano nella tempo senza tempo del luogo. Le opere di Watteau illustrano le modalità di abbigliamento che sono contemporanee. Gli storici dell'arte chiameranno le pieghe sul retro degli abiti francesi del periodo "Fold Watteau" seguendo le sue descrizioni specifiche. Questi vestiti mostrano l'alto status dei protagonisti. Ciò consente agli aristocratici di riconoscere se stessi in queste scene oziose e delicate.

C'è anche un posto forte dato alla teatralità e al doppio linguaggio. La galanteria è adornata con codici sofisticati specifici per l'aristocrazia . Rengono possibile determinare chi fa parte della buona società e chi ne è escluso mentre la borghesia inizia ad avere i mezzi per fondersi tra la nobiltà. Essere un galante significa sapere come compiacere nella società con il suo ritmo, le sue maniere e la sua finezza mentale. Tutto è un pretesto per la galanteria, dal movimento di un fan alla posizione di una mosca sulla faccia di una giovane donna. I codici sono inscritti sugli oggetti di tutti i giorni, dai ventilatori ai BUSC (lama di legno inserita nella parte anteriore del corpetto per mantenere la rigidità) dei corpi delle balene. Ciò porta a un'educazione molto diversificata nella gioventù aristocratica ma che rimane superficiale. Ciò ispirerà fortemente i dandie del XIX secolo.

Old Pendulum in bronzo dorato e porcellana con una scena galante

Non tutti questi festival sono fatti all'interno. Sarebbe improprio essere troppo intraprendente in un soggiorno o in una palla. È durante le passeggiate all'aperto, lontano dagli obblighi dell'etichetta che l'amore può essere il più intraprendente.

Pastorale o ami te stesso all'aperto

Se cerchiamo di avvicinarci alla natura, è per dimostrare che siamo accademici e che abbiamo letto gli scritti di Jean-Jacques Rousseau (1712-1778). Secondo lui, l'uomo è bravo per natura ed è la società che lo compromette. Pertanto, le persone della società più vicine alla natura sono rispettabili. Questo porta a una visione sentimentalista di cerchi contadini che sono considerati più puri. Illustrare i pastori è un'opportunità per esprimere il peso del destino dei sentimenti considerati "semplici" e "innocenti". In effetti, criticeremmo l'aristocrazia, troppo lontana dalla natura, dalla vanità e dalla lussuria piuttosto che dalla fatalità.

Questa idea non è nuova, il pastorale è reso popolare in letteratura del III secolo a.C. da Virgilo nei bucolici ma sta davvero crescendo durante il Rinascimento italiano. In Francia, fu Honoré D'Urfé (1607-1628) che mette in evidenza la cura pastorale con l'astrée nel 1607. Il romanzo descrive le avventure dei giovani i cui nobili antenati hanno scelto di allontanarsi dalle guerre per vivere in frazioni sulle rive del Lignon.

  Dettaglio di una scena galante su una vecchia porcellana e fioriera in bronzo dorato

Il tema del lavoro pastorale in arti di plastica adeguatamente parlate arriva con l'arredamento dell'Hôtel de Soubise a Parigi di François Boucher nel 1737-1738. Quindi ha concepito scene di giovani spensierati e giocosi in un'immagine della vita contadina idealizzata. I pastori e le pastori, vestiti da signori e i cui piedi nudi non sono mai sporchi, mantengono mandrie che richiedono poca cura. Sembrano completamente insensibili alle dure condizioni della vita rurale.

Circondando noi stessi di opere che rappresentano questa società ideale, educata ma vicina alla natura, appropriavamo le virtù. Trasponi una scena galante in un paesaggio bucolico è un modo per garantire la buona base dei sentimenti espressi.

Questa glorificazione della vita in campagna sarà al suo apice con la frazione della regina di Marie-Antoinette . Chiede a Richard Mique di fargli un villaggio rurale con cottage di paglia e uno sfruttamento agricolo alla periferia del Trianon. C'è un fienile, latticini, stabili, maiali e pollaio. La leggenda dice che "ha suonato nella pastorella", non è esattamente realtà poiché ha usato questo posto principalmente come luogo di camminata. Queste costruzioni mostrano ancora l'importante attrazione che il mondo rurale aveva e le sue attività sulla società aristocratica.

L'immagine di uno stile di vita rococo

Dopo la morte di Louis XIV, la Francia aspira a più leggerezza. Rinfingiti da un'etichetta molto severa e coinvolta in numerose guerre, la nobiltà prese dalla reggenza (1715-1723) più libertà e i costumi sono ammorbiditi. È per il patrocinio di Mme de Pompadour , padrona di Louis XV, che l'essenza dell'arte di Rococo . La tavolozza dei colori si sta sgombrando ed è disponibile in sfumature di rose, blu e biondo per riflettere la gioia della vita della corte. Il rosa in particolare, il colore del fiore della dea Venere, assume l'importanza di imitare la marchesa che lo porta a Versailles. Rococo diventa uno stile di vita basato sul raffinato piacere dei sensi e della soddisfazione estetica.

In questa prospettiva, si diffonde su tutti i supporti. La produzione de Sèvres (produttore reale nel 1759) utilizza le incisioni e i soggetti di François Boucher, protetti da Mme de Pompadour, per i suoi risultati in porcellana. Il candore delle giovani donne sublimando il candore della materia. Tra il 1778 e il 1797, ci sono una grande quantità di temi pastorali nei biscotti, piccole statuette senza glassa, che fungono da decorazione da tavola. Questa è un'opportunità per stimolare l'immaginazione degli spettatori e condurre a conversazioni tra gli ospiti. Notiamo sia la ricchezza dell'arredamento del suo ospite sia la sua capacità di vedere oltre le scene innocenti.

 Cut di porcellana blu, nello stile di Sèvres, XIX secolo

Poiché non dovresti sbagliare, dire Fleurette in campagna non è solo riservato al grande amore. La seconda metà del 18 ° secolo vide l'arrivo del concetto di libertinismo . Il termine esisteva già nel 17 ° secolo, ma rappresentava principalmente una libertà di pensiero e una certa incostanza del sentimento di amore. Dal regno di Louis XV , un buon re che vive abile di piaceri, diventa sinonimo della ricerca di piaceri carnali. Questo porta a un doppio linguaggio di opere tra scene di castighi di aspetto e connotazioni sessuali grezze.

I pastori che suonano il flauto possono mostrare la facilità di innamorarsi in un'atmosfera musicale circondata da natura armoniosa, oltre a rappresentare un atto sessuale per la società del 18 ° secolo. Il gioco degli sguardi a volte lascia il posto a gesti espliciti o abiti disimpegnati, questo è il caso del biscotto del palcoscenico di caccia con una coppia galante della nostra collezione.

La fine del partito, arrivo del neoclassicismo

Questa depravazione dell'aristocrazia non fa appello a tutti e già nel 1750, abbiamo iniziato a vedere un movimento in opposizione all'arte rocciosa: il neoclassicismo . Le scene pastorali continuano ad esistere, ma prendono una svolta più virtuosa. Niente più amanti intrecciati, le rappresentazioni si concentrano sui nobili valori del lavoro terrestre. Teniamo solo festival rocciosi solo l'arredamento di un'arcadia , immagine dell'antica Roma. Jean-Honoré Fragonard (1732-1806), virtuoso dell'amore bucolico, pagherà il prezzo per questo cambio di gusto. La sua serie di dipinti per il castello di Louveciennes di Madame Du Barry , un'altra padrona di Louis XV, che rappresenta le fasi dell'impegno romantico verrà restituito a lui. Invece, lo sponsor catturerà Joseph Marie Vien (1716-1809) molto più neoclassica.

Pendolo i pastori di arcadia, xixth era, dettaglio

Nel 1780, vi fu un rifiuto totale dello stile roccioso ritenuto troppo frivolo e decadente. Il dipinto della storia moralizzante prende il posto delle scene di genere. La tavolozza dei colori usata si oscura e il colore rosa viene abbandonato a favore del rosso considerato più serio. Cerchiamo di tornare alle fonti d'arte dopo le scoperte archeologiche di Pompei ed Ercolanum.