Le feste galanti all'epoca di Luigi XV

Le avrete sicuramente già viste, su porcellana, tela o persino arazzo: queste graziose coppiette che si corteggiano in campagna. Ma chi sono? Perché sono sedute per terra in abiti così eleganti? Stanchi della formalità dell'arte barocca del periodo precedente, iniziò una nuova era di spensieratezza. La corte lasciò Versailles per Parigi, un luogo favorevole a una maggiore libertà e gioia di vivere, che favoriva il romanticismo. Ripercorriamo la Francia del XVIII secolo, un'epoca in cui la vita era vista attraverso lenti rosa.

Le feste galanti nell'arte maggiore

Nel XVII secolo, la pittura di genere, grande tradizione veneziana e fiamminga, era considerata un genere minore. Veniva vista come una mera rappresentazione di scene aneddotiche di vita quotidiana, che non incontravano il favore dell'Accademia. Le scene d'amore l'opera pellegrinaggio all'isola di Citera, diAntoine Watteau che le cose iniziarono a cambiare. L'Accademia, riconoscendone il talento, si rifiutò di relegarlo a un genere minore e decise di creare il genere della festa galante.

L'obiettivo è quello di raffigurare un momento di svago sociale tra l'aristocrazia in un pastorale. A ciò si aggiunge un forte elemento di seduzione. Antoine Watteau non si limita più a rappresentare la vita quotidiana, ma una spensieratezza che attrae sia i privati, che forniscono la maggior parte dei finanziamenti, sia l'Accademia di Belle Arti incaricata dal governo.

Ma cosa distingue la fête galante da altre scene di vita aristocratica? Il tema della passione romantica in ambientazioni bucoliche offre un pretesto per audacia e originalità nella composizione dell'opera. Gli artisti giocano sulla modernità degli abiti, integrandola al contempo nell'atemporalità dell'ambientazione. Le opere di Watteau illustrano le mode del suo tempo. Gli storici dell'arte avrebbero in seguito definito le pieghe sul retro degli abiti in stile francese di quel periodo "pieghe Watteau", seguendo le sue precise descrizioni. Questi indumenti simboleggiano l'alto status dei protagonisti. Ciò permette agli aristocratici di riconoscersi in queste scene rilassate e raffinate.

Notiamo inoltre una forte enfasi sulla teatralità e sul doppio senso. La galanteria è ornata da codici sofisticati specifici dell'aristocrazia. Questi codici determinano chi appartiene all'alta società e chi ne è escluso, anche se la borghesia inizia ad avere i mezzi per integrarsi con la nobiltà. Essere un galante gentiluomo significa saper compiacere in società attraverso il portamento, le maniere e l'arguzia. Tutto è un pretesto per la galanteria, dal movimento di un ventaglio all'apposizione di un neo sul viso di una giovane donna. I codici sono inscritti su oggetti di uso quotidiano, dai ventagli alle stecche (strisce di legno inserite nella parte anteriore dei corpetti per mantenerne la rigidità) dei corsetti di balena. Ciò porta a un'educazione molto variegata tra i giovani aristocratici, ma che rimane superficiale. Questa educazione influenzerà fortemente il dandismo del XIX secolo

Non tutte queste celebrazioni si svolgono al chiuso. Sarebbe inappropriato essere troppo sfacciati in un salotto o a un ballo. È durante le passeggiate all'aperto, lontano dagli obblighi dell'etichetta, che l'amore può essere più sfacciato;

La pastorale, ovvero amarsi all'aria aperta

Il tentativo di entrare in contatto con la natura è un modo per dimostrare erudizione e conoscenza degli di Jean-Jacques Rousseau (1712-1778). Secondo Rousseau, l'umanità è intrinsecamente buona ed è la società a corromperla. Pertanto, coloro che nella società sono più vicini alla natura sono considerati rispettabili. Questo porta a una visione sentimentalizzata della vita contadina, vista come più pura. Raffigurare i pastori offre l'opportunità di esprimere il peso del destino e delle emozioni che gravano su persone considerate "semplici" e "innocenti". Di fatto, l'aristocrazia, troppo distante dalla natura, viene criticata per vanità e lussuria piuttosto che per aver accettato il proprio destino.

 Quest'idea non è nuova; il genere pastorale fu reso popolare in letteratura già nel III secolo a.C. da Virgilio nelle Bucoliche, ma conobbe il suo vero apice durante il Rinascimento italiano. In Francia, fu Honoré d'Urfé (1607-1628) a portare il genere pastorale alla ribalta con il suo romanzo L'Astrée del 1607. Il romanzo narra le avventure di giovani i cui nobili antenati scelsero di sfuggire alle guerre e di vivere in villaggi sulle rive del fiume Lignon.

Particolare di scena galante su antica giardiniera in porcellana e bronzo dorato

Il tema della pastorale nelle arti visive, in senso stretto, emerse con la decorazione dell'Hôtel de Soubise a Parigi da parte di François Boucher nel 1737-1738. Egli concepì scene di gioventù spensierata e gioiosa all'interno di un'immagine idealizzata della vita contadina. I pastori e le pastorelle, vestiti come signori e con i piedi nudi sempre immacolati, pascolano greggi che richiedono poca cura. Sembrano completamente ignari delle dure condizioni della vita rurale. 

Circondandosi di opere che rappresentano questa società ideale – colta ma vicina alla natura – se ne appropriano le virtù. Trasporre una scena romantica in un paesaggio bucolico è un modo per garantire il solido fondamento dei sentimenti espressi.

Questa glorificazione della vita rurale raggiunse il suo apice con Maria Antonietta. La regina commissionò a Richard Mique la costruzione di un villaggio rurale, completo di casette con il tetto di paglia e una fattoria funzionante, alla periferia del Trianon. Il villaggio comprendeva un fienile, una latteria, una stalla, un porcile e un pollaio. La leggenda narra che Maria Antonietta "si divertisse a fare la pastorella", il che non è del tutto esatto, dato che utilizzava principalmente la zona per passeggiate. Ciononostante, queste strutture dimostrano il notevole fascino che il mondo rurale e le sue attività esercitavano sulla società aristocratica.

L'immagine di uno stile di vita rococò

Dopo la morte di Luigi XIV, la Francia anelava a uno stile di vita più spensierato. Governata da una rigida etichetta e coinvolta in numerose guerre, la nobiltà ottenne maggiore libertà durante la Reggenza (1715-1723) e i costumi si fecero più rilassati. Fu grazie al mecenatismo di Madame de Pompadoursi definì dell'arte rococò. La tavolozza dei colori si illuminò, offrendo tonalità di rosa, blu e biondo per riflettere la gioia di vivere della corte. Il rosa, in particolare, il colore del fiore della dea Venere, acquisì importanza, poiché la marchesa lo indossava a Versailles. Il rococò divenne uno stile di vita basato sul raffinato piacere dei sensi e sulla soddisfazione estetica.

Con questo in mente, la tendenza si diffuse in ogni tipo di media. La manifattura di Sèvres (manifattura reale dal 1759) utilizzò le incisioni e i soggetti di François Boucher, un protetto di Madame de Pompadour, per le sue creazioni in porcellana. La carnagione chiara delle giovani donne esaltava il candore della porcellana stessa. Tra il 1778 e il 1797, un gran numero di temi pastorali apparve nella porcellana biscuit, piccole statuette non smaltate utilizzate come decorazioni da tavola. Ciò offriva l'opportunità di stimolare l'immaginazione degli osservatori e di avviare conversazioni tra gli ospiti. Si notava sia la ricchezza dell'arredamento dei padroni di casa sia la loro capacità di vedere oltre le scene apparentemente innocenti.

 Ciotola in porcellana blu, in stile Sèvres, XIX secolo

Non fraintendetemi, il corteggiamento in campagna non è riservato esclusivamente al vero amore. La seconda metà del XVIII secolo vide l'affermarsi del concetto di libertinismo. Il termine esisteva già nel XVII secolo, ma rappresentava principalmente una libertà di pensiero e una certa volubilità nei sentimenti romantici. Dal regno di Luigi XV, re noto per il suo stile di vita da bon vivant e la sua passione per i piaceri, divenne sinonimo di ricerca dei piaceri carnali. Ciò portò a un doppio standard nelle opere letterarie, che alternavano scene apparentemente caste a esplicite connotazioni sessuali.

I pastori che suonano il flauto possono sia rappresentare la facilità dell'innamoramento in un'atmosfera musicale e circondata da una natura armoniosa, sia rappresentare un atto sessuale per la società del XVIII secolo. Il gioco di sguardi a volte cede il passo a gesti espliciti o a abiti succinti, come nel caso della scena di caccia in porcellana biscuit con una coppia di galanti della nostra collezione.

La fine della festa, l'arrivo del Neoclassicismo

Questa percepita depravazione dell'aristocrazia non piacque a tutti e, intorno al 1750, iniziò a emergere un movimento in opposizione all'arte rococò: il Neoclassicismo. Le scene pastorali continuarono a esistere, ma assunsero un tono più virtuoso. Scomparvero gli amanti che si abbracciavano; le raffigurazioni si concentrarono sui nobili valori del lavoro della terra. Tutto ciò che rimaneva delle festività rococò era l'ambientazione di un'Arcadia rurale , un'immagine dell'antica Roma. Jean-Honoré Fragonard (1732-1806), virtuoso dell'amore bucolico, subì le conseguenze di questo cambiamento di gusto. La sua serie di dipinti per il Castello di Louveciennes, commissionata da Madame du Barry, un'altra amante di Luigi XV, raffiguranti le fasi del fidanzamento romantico, gli fu restituita. Al loro posto, il mecenate appese tele di Joseph Marie Vien (1716-1809), il cui stile era ben più neoclassico.

Orologio dei pastori arcadici, XIX secolo, particolare

Negli anni Ottanta del Settecento, si assistette a un netto rifiuto dello stile Rococò, ritenuto troppo frivolo e decadente. La pittura storica moralizzante riacquistò importanza rispetto alle scene di genere. La tavolozza dei colori si scuriva e il rosa veniva abbandonato a favore del rosso, considerato più serio. Si manifestò il desiderio di tornare alle origini dell'arte in seguito alle scoperte archeologiche di Pompei ed Ercolano.