Le feste galanti all'epoca di Luigi XV

Le avrete sicuramente già viste, su porcellana, tela o persino arazzo: queste graziose coppiette che si corteggiano in campagna. Ma chi sono? Perché sono sedute per terra in abiti così eleganti? Stanchi della formalità dell'arte barocca del periodo precedente, iniziò una nuova era di spensieratezza. La corte lasciò Versailles per Parigi, un luogo favorevole a una maggiore libertà e gioia di vivere, che favoriva il romanticismo. Ripercorriamo la Francia del XVIII secolo, un'epoca in cui la vita era vista attraverso lenti rosa.

Le feste galanti nell'arte maggiore

Nel XVII secolo, la pittura di genere, grande tradizione veneziana e fiamminga, era considerata minore. Era vista come una mera aneddotica scena di vita quotidiana, che non piaceva all'Accademia. Le scene d'amore di Antoine Watteau , Il pellegrinaggio all'isola di Citera, che le cose iniziarono a cambiare. L'Accademia, riconoscendone il talento, si rifiutò di relegarlo a un genere minore e decise di creare il genere della festa galante.

L'obiettivo è quello di rappresentare un momento di svago sociale tra l'aristocrazia in un bucolico . A questo si aggiunge il forte elemento di seduzione. Antoine Watteau non rappresenta più semplicemente la vita quotidiana, ma una spensieratezza che attrae sia i privati, che forniscono la maggior parte dei finanziamenti, sia l'Accademia di Belle Arti nominata dal governo.

Ma cosa distingue la fête galante da altre scene di vita aristocratica? Il tema della passione romantica in ambientazioni bucoliche fornisce il pretesto per audacia e originalità nella composizione dell'opera. Gli artisti giocano sulla modernità degli abiti, integrandoli nell'atemporalità dell'ambiente. Le opere di Watteau illustrano la moda del suo tempo. Gli storici dell'arte avrebbero poi chiamato le pieghe sulla schiena degli abiti in stile francese di questo periodo "pieghe Watteau", seguendo le sue precise descrizioni. Questi abiti simboleggiano l'alto status dei protagonisti. Ciò permette agli aristocratici di riconoscersi in queste scene rilassate e raffinate.

Notiamo anche una forte enfasi sulla teatralità e sul doppio senso. La galanteria è adornata da sofisticati codici specifici dell'aristocrazia. Questi codici determinano chi appartiene all'alta società e chi ne è escluso, anche quando la borghesia inizia ad avere i mezzi per integrarsi con la nobiltà. Essere un galante significa sapere come piacere alla società attraverso il proprio portamento, le proprie maniere e il proprio arguzia. Tutto è un pretesto per la galanteria, dal movimento di un ventaglio alla posa di un neo sul viso di una giovane donna. I codici sono incisi su oggetti di uso quotidiano, dai ventagli ai busks (listelli di legno inseriti nella parte anteriore dei corpetti per mantenerne la rigidità) dei corsetti di stecche di balena. Ciò porta a un'educazione molto diversificata tra i giovani aristocratici, ma che rimane superficiale. Questa educazione influenzerà fortemente il dandismo del XIX secolo

Non tutte queste celebrazioni si svolgono al chiuso. Sarebbe inappropriato essere troppo sfacciati in un salotto o a un ballo. È durante le passeggiate all'aperto, lontano dagli obblighi dell'etichetta, che l'amore può essere più sfacciato;

La pastorale, ovvero amarsi all'aria aperta

Cercare di entrare in contatto con la natura è un modo per dimostrare erudizione e conoscenza degli di Jean-Jacques Rousseau (1712-1778). Secondo Rousseau, l'umanità è intrinsecamente buona, ed è la società a corromperla. Pertanto, coloro che nella società sono più vicini alla natura sono considerati rispettabili. Questo porta a una visione sentimentale della vita contadina, considerata più pura. Rappresentare i pastori offre l'opportunità di esprimere il peso del destino e delle emozioni su persone considerate "semplici" e "innocenti". In effetti, l'aristocrazia, troppo lontana dalla natura, viene criticata per vanità e lussuria piuttosto che per l'accettazione del destino.

 Questa idea non è nuova; il genere pastorale fu reso popolare in letteratura già nel III secolo a.C. da Virgilio nelle Bucoliche, ma acquisì vero slancio durante il Rinascimento italiano. In Francia, fu Honoré d'Urfé (1607-1628) a portare il genere pastorale alla ribalta con il suo romanzo L'Astrée nel 1607. Il romanzo descrive le avventure di giovani i cui nobili antenati scelsero di sfuggire alle guerre e vivere in villaggi sulle rive del fiume Lignon.

Particolare di scena galante su antica giardiniera in porcellana e bronzo dorato

Il tema della  Pastorale nelle arti visive, in senso stretto, emerse con la decorazione dell'Hôtel de Soubise a Parigi da parte di François Boucher nel 1737-1738. Egli concepì scene di giovinezza spensierata e gioiosa all'interno di un'immagine idealizzata della vita contadina. I pastori e le pastorelle, vestiti come signori e con i piedi nudi che non si sporcano mai, pascolano greggi che richiedono poche cure. Sembrano completamente ignari delle dure condizioni della vita rurale.

Circondandosi di opere che rappresentano questa società ideale – colta ma vicina alla natura – se ne appropriano le virtù. Trasporre una scena romantica in un paesaggio bucolico è un modo per garantire il solido fondamento dei sentimenti espressi.

Questa glorificazione della vita di campagna raggiunse il suo apice con Maria Antonietta . Incaricò Richard Mique di creare per lei un villaggio rurale, completo di cottage con il tetto di paglia e una fattoria funzionante, alla periferia del Trianon. Comprendeva un fienile, una latteria, una stalla, un porcile e un pollaio. La leggenda narra che "giocasse a fare la pastorella", il che non è del tutto esatto, poiché usava la zona principalmente per le passeggiate. Ciononostante, queste strutture dimostrano il notevole fascino che il mondo rurale e le sue attività esercitavano sulla società aristocratica.

L'immagine di uno stile di vita rococò

Dopo la morte di Luigi XIV, la Francia anelava a uno stile di vita più spensierato. Governata da una rigida etichetta e coinvolta in numerose guerre, la nobiltà ottenne maggiore libertà durante la Reggenza (1715-1723) e i costumi si fecero più rilassati. Fu grazie al mecenatismo di Madame de Pompadour si definì dell'arte rococò . La tavolozza dei colori si illuminò, offrendo tonalità di rosa, blu e biondo per riflettere la joie de vivre della corte. Il rosa, in particolare, il colore del fiore della dea Venere, acquisì importanza, poiché la marchesa lo indossava a Versailles. Il rococò divenne uno stile di vita basato sul raffinato piacere dei sensi e sulla soddisfazione estetica.

In quest'ottica, si diffuse su tutti i tipi di media. La manifattura di Sèvres (manifattura reale dal 1759) utilizzò le incisioni e i soggetti di François Boucher, un protetto di Madame de Pompadour, per le sue creazioni in porcellana. La carnagione chiara delle giovani donne esaltava il candore della porcellana stessa. Tra il 1778 e il 1797, un gran numero di temi pastorali apparvero in porcellana biscuit, piccole statuette non smaltate utilizzate come decorazioni da tavola. Ciò offrì l'opportunità di stimolare l'immaginazione degli spettatori e di accendere conversazioni tra gli ospiti. Si notava sia la ricchezza delle decorazioni del padrone di casa sia la sua capacità di vedere oltre le scene apparentemente innocenti.

 Ciotola in porcellana blu, in stile Sèvres, XIX secolo

Non c'è dubbio, il corteggiamento in campagna non è riservato esclusivamente al vero amore. La seconda metà del XVIII secolo vide l'ascesa del concetto di libertinismo . Il termine esisteva già nel XVII secolo, ma rappresentava principalmente una libertà di pensiero e una certa volubilità nei sentimenti romantici. A partire dal regno di Luigi XV , un re noto per il suo stile di vita bon vivant e la sua passione per il piacere, divenne sinonimo di ricerca dei piaceri carnali. Ciò portò a un doppio standard nelle opere letterarie, che alternavano scene apparentemente caste a connotazioni sessuali esplicite.

I pastori che suonano il flauto possono sia rappresentare la facilità dell'innamoramento in un'atmosfera musicale e circondata da una natura armoniosa, sia rappresentare un atto sessuale per la società del XVIII secolo. Il gioco di sguardi a volte cede il passo a gesti espliciti o a abiti succinti, come nel caso della scena di caccia in porcellana biscuit con una coppia di galanti della nostra collezione.

La fine della festa, l'arrivo del Neoclassicismo

Questa percepita depravazione dell'aristocrazia non piacque a tutti e, nel 1750, iniziò a emergere un movimento in opposizione all'arte rococò: il Neoclassicismo . Le scene pastorali continuarono a esistere, ma assunsero un tono più virtuoso. Spariti gli amanti che si abbracciavano, le raffigurazioni si concentravano sui nobili valori del lavoro della terra. Tutto ciò che rimaneva delle festività rococò era l'ambientazione di un'Arcadia rurale , un'immagine dell'antica Roma. Jean-Honoré Fragonard (1732-1806), virtuoso dell'amore bucolico, avrebbe sopportato il peso di questo cambiamento di gusto. La sua serie di dipinti per il castello di Louveciennes, commissionata da Madame du Barry , un'altra amante di Luigi XV, raffiguranti le fasi del fidanzamento romantico, gli fu restituita. Al loro posto, il mecenate appese tele di Joseph Marie Vien (1716-1809), il cui stile era molto più neoclassico.

Orologio dei pastori arcadici, XIX secolo, particolare

Negli anni Ottanta del Settecento, si assistette a un netto rifiuto dello stile Rococò, ritenuto troppo frivolo e decadente. La pittura storica moralizzante riacquistò importanza rispetto alle scene di genere. La tavolozza dei colori si scuriva e il rosa veniva abbandonato a favore del rosso, considerato più serio. Si manifestò il desiderio di tornare alle origini dell'arte in seguito alle scoperte archeologiche di Pompei ed Ercolano.