Art Déco, la modernità dei ruggenti anni Venti

Chi non ha mai sognato di sorseggiare un drink in una sublime Art Déco , come se vivesse ne Il Grande Gatsby? Spesso considerata l'estetica emblematica dei Ruggenti Anni Venti , l'Art Déco è un movimento artistico ricco, sia per la diversità delle sue forme che per la qualità delle sue creazioni. Rappresenta la fuga di una gioventù spensierata che cerca di ricostruirsi dopo una guerra devastante. Ma come è nato questo stile, così caratteristico di un'epoca?

Come è nato l'Art Déco?

Si tratta di "tutta la tensione nervosa accumulata e non spesa durante la guerra", scrisse Scott Fitzgerald in Jazz Age nel 1931.

Tuttavia, gli albori di questo stile apparvero già negli anni '10 . Mentre l'Art Nouveau era ancora di gran moda, le sue curve vegetali non erano sempre apprezzate. I suoi detrattori le consideravano indecenti e ridicole, definendolo "stile a spaghetti". Cercavano una maggiore semplicità di linee e forme più sobrie. Si trattava di una sorta di ritorno all'ordine, già evidente nei design tedeschi e viennesi. Derivava anche da un rivolgimento estetico con i Balletti Russi di Sergej Diaghilev mille e una notte, composti da danze, musica e dipinti nel 1909. La rinascita dell'Oriente come fonte primaria di ispirazione fu osservata sia nelle creazioni artistiche che nell'alta società parigina. Il celebre Paul Poiret organizzò una grande festa in costume nella sua casa chiamata Le mille e una notte, a cui furono invitati numerosi artisti. Stava sorgendo una nuova era. Purtroppo, la Prima Guerra Mondiale scoppiò nel 1914, interrompendo lo slancio di tutte queste nuove riflessioni.

Esempio di scrivania in stile Art Nouveau

Fu al ritorno dai campi di battaglia che l'Art Déco fiorì. Erano i Ruggenti Anni Venti , un periodo in cui i giovani si lanciavano a capofitto in infinite ricerche di piacere per dimenticare gli orrori delle trincee. Cercavano fantasia e divertimento. Questo portò alla creazione del Nuovo Stile, lo stile moderno, o Zig Zag Moderno, come veniva chiamato. Fu a Parigi che acquistò importanza. Nella capitale delle delizie, nel 1925 si tenne l' Esposizione Internazionale delle Arti Decorative e Industriali Moderne. Questa importante fiera commerciale coinvolse 21 paesi e fu visitata da oltre 16 milioni di persone. In otto mesi, rivoluzionò l'architettura e le arti decorative in tutto il mondo. Questo stile si ritrovava in hotel, bar, transatlantici e cinema: luoghi lussuosi e confortevoli frequentati dai giovani degli anni Venti . La rapida diffusione di questa estetica, facilitata dallo sviluppo delle tecnologie della comunicazione, fu alimentata anche dall'afflusso di americani che arrivarono per approfittare del franco francese svalutato. Se ne possono trovare derivati ​​dal Brasile al Giappone e soprattutto negli Stati Uniti, che diventeranno la culla dello stile Streamline .

La ricostruzione era necessaria. Fu costruita una nuova architettura cubica con nuovi design geometrici, orientati alla modernità . Dagli edifici, motivi e idee si diffusero alle arti decorative. L'obiettivo era rappresentare la modernità in movimento e l'evasione attraverso scelte nuove, a volte provocatorie. Ci fu accordo sulla semplificazione delle linee, ma ciò non impoverì le creazioni. L'ispirazione proveniva da tutte le regioni del mondo: Giappone, Cina, Estremo Oriente e Africa. Furono esplorati nuovi materiali esotici e quelli derivanti dai progressi tecnologici. I ruggenti anni Venti portarono la loro dose di innovazioni che avrebbero rivoluzionato il panorama decorativo.

Decorazioni e ornamenti

Negli anni '20 e '30 emerse un nuovo concetto: quello degli artisti decorativi che creavano mobili unici, su misura per i gusti dei giovani. Tra loro c'erano figure rinomate come Ruhlmann , Jules Leleu , Paul Iribe, Maurice Dufrêne e Charles Dudouyt , le cui opere sono rappresentate nella nostra collezione. Liberi da vincoli, furono in grado di esplorare liberamente nuove forme che definirono i ruggenti anni Venti, pur rimanendo fedeli alle forme del passato. L'obiettivo era quello di modernizzare la tradizione. L'Art Déco rappresentò una sorta di ritorno all'ordine, una tendenza che si intensificò con la crisi del 1929 e la depressione economica globale degli anni '30.

Credenza in stile Jules Leleu :

Gli argomenti sono molto eclettici e diversificati e possiamo trattarne solo una parte superficiale ma essenziale.

Il cambiamento più evidente è senza dubbio il rifiuto delle linee sinuose dell'Art Nouveau . Si assistette a uno spostamento verso un immaginario più morbido e lirico. Questo approccio alla semplificazione derivò inizialmente dal sobrio Neoclassicismo, per poi rivolgersi all'arte delle avanguardie: Cubismo , Orfismo ed Espressionismo tedesco – sebbene non sempre nettamente distinti – che offrirono tutti un nuovo linguaggio pittorico. Fu un'evoluzione verso la geometria , considerata l'essenza del moderno e meccanizzato. Le forme erano pure: cerchi, quadrati e linee rette; bordi smussati e motivi frammentati. La natura stessa perse la sua natura selvaggia, con forme sintetizzate ridotte alla loro essenza. La rosa divenne un motivo appiattito, estremamente geometrico. L'Art Déco cercò di domare la natura piegandola all'estetica dell'epoca. Questa è la prova del dominio dell'uomo moderno, che soggiogò la natura attraverso il progresso intellettuale e tecnologico.

Scultura in bronzo "Due gabbiani su un'onda" di Enrique Molins

Abbiamo anche cercato di rappresentare la velocità e il movimento di un'epoca profondamente moderna . L'automobile apparve sulle strade di Parigi, i transatlantici consentirono traversate oceaniche sempre più rapide e il sogno dell'aviazione prese piede. Questi principi furono applicati alle decorazioni. La pantera divenne un'elegante evocazione della fluidità e dell'energia vivace dell'epoca. Qui potete trovare una fusione in bronzo di " Due gabbiani su un'onda di Enrique Molins che dimostra chiaramente questo desiderio di utilizzare il regno animale per evocare velocità e progetti tecnologici. La rapida picchiata degli uccelli verso l'oceano allude alle esibizioni acrobatiche che affascinavano il pubblico.

Scultura in alabastro "La Samaritaine", Art Déco

le donne assunsero un ruolo sempre più importante. Questa fu l'emancipazione femminile rappresentata dalla flapper e slanciata fu ispirata da stilisti come Gabrielle Chanel e Paul Poiret . Nell'arte, le donne si riflettevano nei loro abiti contemporanei, lunghi ed eleganti. Sono visibili nei dipinti di Tamara de Lempicka o nelle sculture come figure danzanti accompagnate da veli che si attorcigliano intorno a sé. Presero anche il posto della dea nell'antichità, con gli stessi canoni di bellezza stilizzati e allungati, quasi manieristi. La figura della Samaritana era particolarmente prominente e molti ristoranti portavano il suo nome.

Infine, vi era un certo fascino per le civiltà antiche, alimentato dalle numerose scoperte archeologiche in Mesopotamia, Mesoamerica e soprattutto in Egitto. tomba di Tutankhamon da parte di Howard Carter in ​​stile egizio design Art Déco . Tuttavia, venivano utilizzati principalmente temi generici come fiori di loto, scarabei e geroglifici.

Materiali del mondo moderno

L' Esposizione Coloniale di Parigi reintrodusse l'arte africana al pubblico francese. Motivi astratti e palette di colori scuri, nero e marrone, furono particolarmente memorabili. Ma soprattutto, rivelò un certo gusto per i materiali, in particolare per legni esotici come l'ebano di Macassar e il palissandro, importati da lontano. Questi erano apprezzati per le loro intrinseche qualità estetiche; il materiale stesso divenne un ornamento. Ciò giustificò l'uso di numerose impiallacciature e intarsi in avorio, madreperla, specchi e galuchat (pelle di pesce). Si trattava di materiali di lusso, a volte estremamente costosi. Era una stravagante dimostrazione di lusso che non scendeva a compromessi.

L'illuminazione assume maggiore importanza per valorizzare gli spazi e simboleggiare il progresso. L'elettricità è presente ovunque, dai grandi saloni e ristoranti al comfort della propria camera da letto, con lo sviluppo di numerose lampade da tavolo che accostano cromo e legno. Il progresso tecnologico è simboleggiato da nuove tecniche. C'è un particolare entusiasmo per la lavorazione del vetro nei primi anni '20 . Ciò riflette moderni , ottimisti e lungimiranti. Nei lampadari, il vetro cattura il movimento di una fontana ghiacciata, riecheggiando il dinamismo del mondo moderno.

Intorno agli anni '30 , gli Stati Uniti presero il sopravvento e lo stile si evolse verso una maggiore semplicità, priva di ornamenti. Ciò permise di adattarsi alla produzione di massa dell'Art Déco. L'Art Déco divenne accessibile per soddisfare le esigenze della Grande Depressione. Ciò permise una distribuzione su larga scala, portando l'estetica in ogni casa, anche in quelle più modeste. Per soddisfare la domanda dei consumatori, furono incorporati materiali prima sconosciuti al grande pubblico, come la plastica e l'alluminio. L'Art Déco caratterizza l'America moderna nella sua adesione al consumismo e all'individualismo dilagante. L'estetica raggiunse il suo apice all'Esposizione Universale di New York .

Conclusione

Dopo la Seconda Guerra Mondiale, l'Art Déco decadde. Fu ampiamente criticato da un movimento parallelo, il Modernismo . Sebbene avesse avuto origine con la stessa esposizione del 1925, si evolse in modo diverso. Guidati da Le Corbusier , i designer modernisti ritenevano che l'ostentazione del lusso non fosse più di buon gusto. Il dopoguerra fu un periodo di austerità caratterizzato dal razionalismo e dal funzionalismo. L'ornamento era considerato superfluo e "dovrebbe essere considerato sospetto", affermò il critico modernista Herbert Read. Questo storico dell'arte arrivò persino a dire che l'Art Déco avrebbe dovuto essere cancellato dalla storia dell'arte.

Fortunatamente, gli antiquari degli anni '60 non furono d'accordo. Emarginati dalle istituzioni culturali, furono i mercanti d'arte a salvare i mobili Art Déco, considerati obsoleti e privi di valore storico. I loro sforzi furono ripagati, poiché la prima retrospettiva, intitolata " Stile 1925 Union Centrale des Arts Décoratifs . Questo segnò l'inizio di un riconoscimento diffuso. Il termine Art Déco entrò nell'uso comune negli anni '70. Il gusto per questo stile crebbe rapidamente negli anni '80, raggiungendo un pubblico più ampio con l'uscita del film Il grande Gatsby, con Leonardo DiCaprio, nel 2013.

L'Art Déco ha quindi un futuro luminoso davanti a sé, sia nei negozi di arredamento che producono copie, sia soprattutto per gli originali che conservano in sé la traccia dell'effervescenza dei ruggenti anni Venti .

Bibliografia

  - Storie dell'Art Déco, José Alvarez, 2010

  - Lo stile Art Déco, Ghislaine Wood, 2003

  - Art Déco, 1910-1939, Tim Benton, 2003